NUTRIENTES. Encuentro de investigadoras y artistas egresadas del MPECV

X6S 19:00 H.
Cine sobre ruedas – proyección del largometraje de ficción “Mi nombre es Bagdad” <DINAMIZA: Caru Alves de Souza>
Cine sobre ruedas, entrada 3 €.

En São Paulo, Bagdad pasa el rato haciendo skate, lleva el pelo corto, los pantalones muy subidos y la sudadera metida por dentro de la cintura. Bagdad es una chica ‘cool’, ella solo respeta a quien quiere respetar. Vive en una casa de mujeres fuertes y emancipadas, y pasa sus días en el skatepark con un grupo de chicos a los que les gusta andar sin camiseta, jugando a las cartas y arrancándose el pelo del pecho.

Caru Alves de Souza (Brasil). De la generación del Máster de Prácticas Escénicas y Cultura Visual de 2021, es una directora, guionista y productora de cine brasileña. Licenciada en Historia, desde 2008 realiza documentales para televisión, cortos, largometrajes y series de ficción, entre ellos, Mi Nombre es Baghdad, que ganó el premio a la mejor película en la Generation 14 plus del 71° Festival Internacional de Cine de Berlín en 2020. En el Máster desarrolló una investigación sobre narrativas colectivas basada en su experiencia con Mi Nombre es Baghdad, donde el guión fue reescrito con la colaboración de las actrices y actores skaters de la peli.

V8S 20:00 H.
Materiales entre Ropa <Gal Levinson>
Apertura de proceso, entrada 3 €.

Un encuentro entre cuerpo y prendas de vestir cotidianas en un espacio escénico para explorar la relación entre cuerpo, ropa y mirada. Se genera una coreografía con momentos en que la prenda se revela como una forma de presentación del cuerpo. un solador y prendas de ropa.

Gal Levinson. Coreógrafa y bailarina, nació en 1991 en Israel. Vive en Madrid y trabaja entre Israel y España. Ha trabajado con diferentes artistas como Lilach Pnina Livne, Maayan Danoch, Daniel Shufra, Teatro Clipa, Josefina Gorostiza y Nir Ben Gal Liat Dror compañía de danza. Como coreógrafa mostró sus trabajos en diferentes festivales y participó en diferentes programas de residencias artísticas. Esos días, como coreógrafa trabaja de manera amplia con performance, objetos y artes plásticas. aunque como punto de partida o manera de explorar, siempre la danza y el cuerpo están presentes.

D10S 21:00 H.
Romance de la negra rubia <Amelia Repetto y Emilia Dulom>
Ensayo abierto, entrada 3 €.

Tomando la novela de la escritora argentina contemporánea Gabriela Cabezón Cámara realizaremos un experimento de investigación performativa, transitando las narrativas que aparecen en la novela, cuando los Okupas son desalojados por las fuerzas de seguridad. A partir de esta ficción sobre el ser Okupa intentaremos generar espacios de narrativa en los propios cuerpos que se encuentran allí, durmiendo, comiendo, haciendo guardias para dormir y veremos cómo eso repercute en los cuerpos. Es allí cuando ocurre el sacrificio de quemarse a lo bonzo, prenderse fuego a sí misma para impedir el desalojo.

Amelia Repetto (Argentina) es actriz, directora de teatro y psiquiatra. Actualmente reside en la ciudad de Madrid donde realizó una residencia artística y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual en el Museo Reina Sofía y la Universidad de Castilla la Mancha. Marco en el cual realizó como performer, directora y dramaturga un proyecto escénico, llamado «Artificio para atravesar la psicosis y los cuerpos Dóciles». Participó con esta pieza en el festival de teatro de Tara de las Islas Canarias en el mes de mayo de 2023. Emilia Dulom es actriz, directora teatral, productora audiovisual y guionista. Reside en España desde 2019. Como dramaturga y directora creó diversas obras y en 2018, adaptó la novela “Romance de la negra rubia” de Gabriela Cabezón Cámara para participar del Ciclo de literatura y teatro “Enredadera” en el cuál dirigió una versión teatral breve de la misma.

Ficha artística
Autoría: Gabriela Cabezón Cámara
Adaptación y dirección: Emilia Dulom
Interpretación: Amelia Repetto

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V15S 18:00 H.
Exilio: Ocupando el Espacio Entre <Hamer Faramarzi>
Apertura de proceso, entrada 3 €.

Esta propuesta tiene como objetivo adentrarse en las complejas emociones, cambios de identidad y resiliencia que enfrentan las personas cuando se ven obligadas a abandonar su tierra natal y navegar en el espacio liminal del exilio. Combinando elementos del teatro e instalaciones audiovisuales, la pieza se desarrolla dentro de una caja especialmente diseñada ubicada en el centro de un teatro, creando un microcosmos distintivo para que el intérprete explore la posibilidad de ocupar un nuevo espacio dentro de espacios confinados.

Hamer Faramarzi es artista visual iraní, radicado en Madrid y Londres. Realizó en 2022 el Master en Práctica Escénica y Cultura Visual del Museo Reina Sofía y la Universidad de Castilla La Mancha. Estudió Licenciatura en Bellas Artes en la London Metropolitan University, (2015-2018). También práctica de grabado AD en Teherán, Irán (2004-2005). BA comunicaciones visuales de la Universidad de Ciencia y Cultura, Teherán, Irán (2000-2003). Ganó el premio a la excelencia en Desarrollo de Proyectos por la Universidad Metropolitana de Londres (2018) y el Premio Owen Rowley (2018).

V15S 19:00 H.
あわせ AWASE (ponerlo junto) <Bárbara Hang y Ana Laura Lozza>
Apertura de proceso, entrada 3 €.

AWASE es una práctica coreografía de devenir constante: devenir texto, devenir imagen, devenir sensación que surge a partir de nuestra última investigación realizada en Japón sobre la técnica de reparación de cerámica Kintsugi. Kintsugi – que significa ponerlo junto con oro – es una técnica en la que se repara un objeto de cerámica roto resaltando con oro sus roturas en vez de intentar esconderlas. Para nosotras, Kintsugi funciona a la vez como metáfora, como instrucción y como partitura para la acción. ¿Cómo puede una práctica coreográfica volver a poner junto lo roto? ¿Cuál es el tiempo de esa acción?

Ana Laura Lozza y Bárbara Hang (Argentina) son un dúo de artistas de las artes performativas. Desarrollan su actividad en el ámbito de la coreografía y la danza moviéndose transversalmente entre la educación, la dramaturgia, la curaduría y la escritura. Desde el 2010 llevan adelante la plataforma Acá No Hay Delivery como espacio de intercambio, investigación y creación de trabajo colaborativo. Detrás de todos sus proyectos se encuentra la pregunta recurrente de cómo hacer cosas juntxs. Una pregunta que se extiende a otros cuerpos, al mundo más que humano, sintonizando con lo frágil, lo incierto y lo inesperado del entrar en relación.

V15S 20:00 H.
videoperformance Cipactli  <Ana Paula Camargo>
Apertura de proceso, entrada 3 €.

Cipactli es la representación más primitiva de la tierra, el origen, la materia pura, el estado inicial de las cosas, … Una exploración sobre la muerte y el amor por medio del ensamblado de imágenes en vivo (una especie de collage on-going) y texto. Una búsqueda con múltiples destinos, entre los cuáles está una serie de collages, un libro, un acontecimiento escénico, (y posiblemente video). En los últimos meses me he dedicado a hacer una colección de recortes de revistas viejas (que deseo alcance varias decenas de ellos), con la idea de experimentar con el ensamblado de imágenes. Lo que me interesa crear es un espacio para experienciar estas sensaciones ligadas a la muerte, darles espacio a todas las emociones vinculadas a esta vivencia, y al residuo que todo esto deja en el cuerpo. Es, sobre todo, un espacio para procesar una muerte cercana y el amor a ese ser perdido.

Ana Paula Camargo (México). Coreógrafa, performer e investigadora Con formación en coreografía y lingüística, su trabajo se desarrolla a partir de un conjunto de técnicas somáticas, trabajo performativo y diversas formas de narración. Considera la coreografía como un complejo campo de experimentación en el que casi cualquier tipo de medio puede formar parte de él. Su trabajo se enmarca en las artes escénicas contemporáneas, en concreto, la estética de lo performativo.

S16S 13:00 H.
Sobre el libro “Las Arquitecturas del fin del mundo. Cosmotécnicas y cosmopolíticas para un futuro en suspenso”  <Uriel Fogué>
Conversatorio, entrada 3 €.

Las Arquitecturas del fin del mundo son muy reales. Habitamos en ellas. Lejos de ser formulaciones abstractas, son espacios concretos en los que se disputa un fin concreto de un mundo concreto. En esta presentación examinaremos cómo la arquitectura participa en el fin del mundo. Para ello, primero, elaboraremos una taxonomía de discursos contemporáneos del apocalipsis. Y, después, analizaremos los espacios que se movilizan en cada uno de ellos.

Uriel Fogué. Dr. arquitecto (premio extraordinario 2014-15; finalista X BIAU 2016). Profesor en la ETSAM. Codirige la oficina de arquitectura elii. Cuenta con 2 obras seleccionadas en los European Union Prize For Contemporary Architecture Mies Van Der Rohe Award (2015, 2019). Formó parte del Pabellón de España de la XV Bienal de Arquitectura de Venecia (León de Oro 2016). Es autor del libro Las arquitecturas del fin del mundo (Puente Editores, 2022).

S16S 13:00 H.
Libro Encuerpado  <Luis Vizcarra>
Apertura de proceso, entrada 3 €.

En esta sesión se compartirá la metodología de creación del libro S: Encuentros para bailar, conversar y escuchar generando encuentros bailados entre los asistentes y una dinámica constante de escritura colectiva. La base es reflexionar sobre el encuentro como un potencial generador de conocimiento.

Luis Vizcarra. Artista, bailarín y voguer residente en Perú con interés por las relaciones que establece el movimiento con el género y la construcción de comunidad. Ha compartido su trabajo en el circuito latinoamericano y europeo, creando piezas de diferentes naturalezas como videoarte, coreografías, poemarios y conversatorios. Actualmente trabaja en la Universidad San Marcos y Católica del Perú como docente e investigador artístico.

V22S 16:00 H.
S23S14:00 H.
Nébula  <Celicia Mieres y Luisina Pérez>
Práctica instalativa, entrada 3 €.

Nébula es una performance instalativa dónde diferentes lenguajes interactúan desde una noción ampliada de collage. La multiplicidad de materialidades se yuxtapone en una (des)organización temporal que configura innumerables interacciones. Esta investigación gira en torno a dos ejes principales, por un lado, la noción de habitar un mismo espacio durante un tiempo prolongado y cómo esto modifica ese espacio, y por otro, la idea de lo íntimo y lo cotidiano.

Celicia Mieres (Uruguay) es Egresada del Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de ARTEA y Universidad de Castilla La Mancha (Madrid, España) y de la Carrera de Diseño Teatral en la EMAD. Actualmente cursa la Licenciatura en Danza Contemporánea en la UdelaR. Se desarrolla como artista visual y escénica en distintos proyectos híbridos y transdisciplinares. Desde 2013 se ha desempeñado profesionalmente como diseñadora, realizadora y técnica escénica, en distintos proyectos artísticos, festivales y salas a nivel nacional e internacional. Además, ha trabajado como docente asistente en cursos de iluminación y teoría práctica escénica, y como tallerista con propuestas de fotografía y experimentación con luz para niñxs y adultxs.
Luisina Pérez (Uruguay). Interesada desde temprana edad por las Artes Vivas. Egresada de la carrera de Actuación de la EMAD. Realiza la Lic. en Artes del Movimiento y participa de diferentes talleres y laboratorios del medio. Tiene un enfoque interdisciplinario que se manifiesta en su formación y en su práctica artística, donde experimenta y desarrolla el encuentro de diferentes lenguajes, teatro, danza, performance, sonido. Forma parte del Colectivo Multimostrx desde 2016 como artista, dj, gestora y activista. Se desarrolla también como docente y tallerista en diferentes centros educativos.

V22S 19:00 H.
Arraigo (y futuro)  <Fernando Mena>
Apertura de proceso, entrada 3 €.

Ahondando en los conceptos de exilio, desarraigo e inmigración, es que Fernando Mena, elabora esta práctica escénica, en la cual se entrelazan y reconfiguran elementos del cine, la literatura, la música y el teatro, soportes que van hilando testimonios sobre tránsitos, exilios y distancias, que son relatados e interpretados por Cecilia Muñoz y Daniel Benítez. En este Encuentro Nutrientes 2023 esta práctica se plantea como una nueva apertura en formato presencial y remoto, vínculos entre Valparaíso y Madrid.

Fernando Mena es actor de cine y teatro, dramaturgo, escritor, director teatral y cantautor. Licenciado en Artes Escénicas de la Universidad de Playa Ancha de Valparaíso, Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la Universidad Castilla-La Mancha y Museo Reina Sofía, Madrid. Su trabajo principalmente centrado en la interpretación, dirección y escritura se ha enfocado en el trabajo con la memoria como material de construcción identitaria. Sus obras se han instalado, a través de lenguajes literarios, escénicos y cinematográficos, en la búsqueda de la autoría, como expresión del imaginario social chileno y la autobiografía. Actualmente ejerce como docente de la línea de Actuación en DuocUc sede Viña del Mar.

Ficha artística
Puesta en escena: Fernando Mena Rojas junto a Teatro Virgen / Prácticas Escénicas de Valparaíso, (Chile)
Asistencia de dirección y producción: Cristian González Rivera
Performers: Cecilia Muñoz Reyes y Daniel Benítez Pérez
Participación especial: Eliana Murgia y Amanda Vásquez
Registro fotográfico: Philip Mundy

V22S 20:00 H.
Me gusta hablar contigo sobre cosas que dices que no entiendes  <Margarita Reyna Cano>
Apertura de proceso, entrada 3 €.

Este es un proyecto que comprende una serie de prácticas performativas que comencé a desarrollar durante mis estudios en el máster. Todas estas prácticas tienen en común la idea de convocar al cuerpo y al movimiento en una reflexión en vivo en torno al material sensible de la danza. Mi práctica toma como punto de partida la idea del cuerpo que baila como generador de pensamiento, de subjetividad, de afecciones, recuerdos y memorias. Para ello me apoyo en el diálogo con mi madre, a nivel escrito y sonoro, acerca de lo que implica bailar. Para el contexto de esta convocatoria Nutrientes, mi deseo es continuar con el proceso de investigación que abrió este proyecto y propiciar los nuevos interrogantes que me abrirá llevar la práctica nuevamente a un contexto escénico.

Margarita Reyna Cano. Graduada en danza clásica y danza contemporánea, desarrolla su trabajo como bailarina, creadora e intérprete en Madrid. Co-dirige el colectivo de danza contemporánea La Matriz, que cuenta, desde 2021 con dos piezas estrenadas. Trabaja como intérprete en la Compañía de Danza Larumbe y como docente en varios centros. Toma talleres con Meg Stuart, Guillermo Weickert o Jana Pachecho. En 2018 es becada por el CSDMA para participar en la XI edición del Festival de Contact Improvisación organizado por Estudio 3. En 2022 obtiene el Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual del Museo Reina Sofía.

S23S 11:30 H.
Película “María va a la escuela”  <DINAMIZA: María Jerez>
Proyección + conversatorio, entrada 3 €.

Los niños de la escuela V-tex en Kortrijk, Bélgica, enseñan neerlandés a María Jerez. Los roles y la economía de la educación cambian: 32 niños enseñan a una adulta que aprende.
Pero durante este cambio de roles, el foco no está en la transferencia simétrica de poder, sino en el establecimiento de una situación de fragilidad para todas las partes. Se trata de establecer un espacio donde nadie sabe. Este documental presta atención a los momentos en los que nombramos algo por primera vez; al pensamiento que hay detrás del lenguaje; a las políticas intrínsecas en los procesos de aprendizaje; a los métodos colaborativos de enseñanza; a los malentendidos como espacios de oportunidad; a la relación con alguien que viene de otro mundo; una especie de alien que aterriza en la escuela.

María Jerez (Madrid). Su obra viaja “entre” la coreografía, el cine y las artes visuales. Desde 2004 realiza piezas que exploran la relación con el espectador como el espacio en el que los modos de representación se ponen en crisis. Desde “El Caso del Espectador” hasta sus últimas piezas “Blob”, “Yabba” o “The Stain” esta relación ha mutado desde un lugar de «comprensión» de las convenciones teatrales y cinematográficas, es decir, de la experticia, a la intencionalidad. pérdida de referencias donde el artista, la obra y el espectador se comportan entre sí como extraños.

S23S 18:00 H.
Fiesta intensiva  <Manuel Egozcue y Javiera Paz>
Apertura de proceso, entrada 3 €.

“En la FIESTA como juego la vida se presenta así misma. Tiene un peculiar carácter de excedencia. Es la expresión de una vida rebosante que no aspira a ningún objetivo. En eso consiste su intensidad. Es la forma INTENSIVA de la vida.” – Byung Chul Han.

Fiesta intensiva es una práctica de movimiento continuo, una sesión para bailar con excedencia, bailar con irreverencia. La experiencia es guiada por pautas de improvisación que funcionan como «llaves» para acceder a maneras de bailar personales e incomparables, en relación al colectivo. Cualquier persona con interés por el movimiento puede acceder, no es necesario tener mayores referencias sobre la danza, sólo muchas ganas de bailar. La práctica está sonorizada en directo y en preposición con la energía del grupo.

Javiera Paz. Bailarina, coreógrafa y docente. Licenciada en Artes con mención en danza (Universidad de Chile) y Máster en práctica escénica y cultura visual (UCLM y Museo Reina Sofía, Madrid). Ha desplegado su trabajo de manera fundamental en Chile como intérprete y asistente coreográfica de diversos coreógrafos durante siete años de carrera activa allí. Ha colaborado con diversas compañías y espacios de actividad cultural girando por Latinoamérica, Europa y África. Afincada en Madrid desde 2019, funda su propio proyecto de creación escénica junto a Manuel Egozkue bautizado Egozkue y Paz. Aquí, juntos, elucubrando desde la música y el movimiento, construyen paisajes e hipótesis para investigar escénicamente. Dentro de sus investigaciones escénicas se encuentran “PLETÓRICO” (2021), “Nadie sabría decir lo que puede un encuentro” (2022- a la fecha) y la práctica de movimiento “FIESTA INTENSIVA”. Paralelamente Javiera trabaja como intérprete para los creadores escénicos Luz Arcas, “La phármaco”, Josefina Gorostiza y HURyCAN cía.
Manuel Egozkue es un artista multidisciplinar de 24 años originario de Madrid. Se dedica a la actuación, la música y la danza. Es creador escénico y junto a Javiera Paz dirigen la compañía Egozkue y Paz. En cuanto a la actuación, desarrolla su carrera como intérprete en obras escénicas contemporáneas con creadores como La Tristura (“Future Lovers”) o Pablo Messiez (“Los Gestos”), y también ha trabajado en el cine con directores como Víctor Iriarte (“Sobre todo de noche”) o Elías León Siminiani (“Arquitectura emocional 1959”). En cuanto a la música, toca el piano y actúa como músico electrónico en vivo, con una gran pasión por el techno. Además, como compositor de música escénica y productor de electrónica, trabaja en presente con la creadora Josefina Gorostiza (Las Cantatas Eufóricas).

S23S 20:00 H.
Playlist  <Luis Moreno>
Apertura de proceso, entrada 3 €.

un cuerpo que baila / un cuerpo se agita.

Tres imágenes copiadas de otro lugar y pegadas aquí, una junto a la otra. Esta pieza es un remake de otras piezas. Un solo danzante.

Luis Moreno (Chile). Docente, investigador y performer. Licenciado en Teatro y Máster en Práctica Escénica y Cultura Visual de la UCLM y Arte-A en Madrid, España (2016/17). Colaborador permanente con otros artistas. Mis procesos de investigación y creación buscan expandir los límites disciplinares hacia lenguajes híbridos en donde el cuerpo se sitúa como centro de cada investigación, siempre puesto en relación con la reflexión y el pensamiento crítico. En específico me interesa encontrar modos de hacer visible algo de los elementos y fuerzas del mundo que nos atraviesan conformando nuestra subjetividad. ¿Qué de nuestra experiencia en el mundo nos hace pensar cómo pensamos? En mis obras anteriores, el cuerpo se despliega en una serie de relaciones con los medios como producción cultural del capitalismo neoliberal que vivimos en el sur de Latinoamérica como parte de nuestra Cultura Pop.

D24S 11:00 H.
Escribir o reescribir o sobar la historia del travestismo desde la investigación en artes  <Anto Rodríguez>
Conversatorio, entrada 3 €.

Llevo un tiempo metiendo la cabeza en la historia de la cultura del colectivo LGBTIAQ+ y el transformismo en España (sobre todo en el siglo XX). Para ello, asumo la investigación en artes como una disciplina legitimada y voy diseñando formas de acercarme al pasado, a las personas que lo escribieron y a lo que hicieron allí.
Una de las cosas que más me interesa de esto es el ejercicio de buscar la manera de dar valor a los materiales que me voy encontrando por muy diversas que sean sus naturalezas. Esta investigación, frágil y en movimiento, se basa en textos, recuerdos, canciones, cantares, danzas, fotos, etc. Y, sobre todo, se basa en ver esa historia desde el presente y cuestionarla, acogerla o reescribirla.
En este encuentro me gustaría compartir el proceso de esta investigación cantando, contando o enseñando algunas de las cosas que me he encontrado en todo este tiempo para preguntarnos qué hacemos con todo esto.

Anto Rodríguez (Mieres, Asturias) trabaja actualmente como investigador posdoctoral (Margarita Salas UCLM-UCM). Es artista y doctor en Investigación en Artes, Humanidades y Educación con la mención CUM LAUDE por la UCLM. Forma parte de la Oficina de creación e investigación Dorothy Michaels de Madrid.
Entre sus producciones artísticas destacan la película Frankenstein (mejor largometraje asturiano de la 51ª edición del Festival Internacional de Cine de Gijón, 2013), el concierto-karaoke Vivir en videoclip (producción del festival Los Veranos de la Villa, 2018), la pieza escénica La Traviata (estrenada en Teatro Pradillo y el Teatro Español de Madrid, 2018) o la conferencia escénica Lo otro: el concierto (2013). Entre sus últimos trabajos se encuentran las piezas escénicas Al Altu la lleva (Festival Surge, Madrid, 2021), Arriba (producción de Conde Duque Madrid y Graner, Barcelona, 2020), Notas para una conferencia troll (2016), Mamá Patria (LCE, 2015), etc.
Entre sus últimas producciones interdisciplinares más reconocidas están la serie audiovisual Carrizo (producida por La Casa Encendida, 2019) y el podcast-documental Color Julay en el que habla de la historia de los cancioneros y del transformismo en España.
Como docente ha impartido clases en diversos contextos como las Facultades de Bellas Artes de la UCM y la UCLM, la MITAV de la Universidad Nacional de Colombia, el CA2M, o el MNCARS dentro del MPECV, Madrid.

D24S 15:00 H.
Laboratorio Cuqui Jerez  <Cuqui Jerez y estudiantes del MPECV>
Proyección, entrada 3 €.

Cuqui Jerez y estudiantes de la edición más reciente del Máster de Prácticas Escénicas y Cultura Visual van a compartir la edición en vídeo de una propuesta que trabajaron en uno de sus laboratorios.

Cuqui Jerez (Madrid) es artista, coreógrafa y performer y desde 1990 realiza performances, danzas, obras de teatro, videos, textos, fotografías, objetos, eventos y publicaciones. Su obsesión es crear nuevas realidades y nuevos lenguajes a través del espacio, el tiempo y los cuerpos. Creó las siguientes piezas, entre muchas: Me encontraré bien enseguida solo me falta la respiración (1995), Dígase en tono mandril (1996), Hiding Inch (1999), A Space Odyssey (2001), The Real Fiction (2005), The Rehearsal (2007) como parte del proyecto The Neverstarting Story en colaboración con María Jerez, Cristina Blanco y Amaïa Urra, y The Croquis Reloaded (2009).